«Крепостной» театр в имении «Останкино»
Выдающимся явлением XVIII века был «крепостной» театр графа Шереметева в подмосковном имении «Останкино». Театр был уникален и по своему богатству, и по вкусу, с которым ставились спектакли, славился сценическими эффектами. Об отношении самого владельца к театру говорит тот факт, что театральная зала с машинным отделением и артистическими уборными занимала основную часть дворца. Зрительный зал вмещал 250 человек. Штат театра насчитывал 170 человек. Для обучения крепостных актёров искусству пения, танца, декламации приглашались лучшие зарубежные педагоги. В репертуаре театра было свыше ста произведений различных жанров. Здесь можно было прослушать оперу, увидеть популярный балет. Декорации к спектаклям создавали лучшие художники того времени П. Гонзаго, К. Бибиена и другие. Театр славился лучшей в России сценической техникой. Она была настолько высока, что позволяла театральный зал превратить в «воксал», то есть в зал для танцев. Превращение это совершалось за тридцать минут.  Последний большой спектакль, с балом и фейерверком, был дан в «Останкино» по случаю коронации Павла I. После этого граф Шереметев уехал в Петербург, и деятельность его театра прекратилась. А. П. Сумароков и театр эпохи классицизма
Во второй половине XVIII века в русской литературе, драматургии появилось новое художественное направление – классицизм. Это было явлением общеевропейским. Родина классицизма – Франция, где это направление сложилось еще в XVII веке. Русские писатели первоначально брали за образцы пьесы европейских авторов. Главным источником при создании драматургического жанра была русская история, в основном ранняя – события Киевской Руси и Древнего Новгорода. Чаще всего герой классицистической трагедии утверждал себя как личность в особых обстоятельствах. Он всегда находился перед выбором: чувство или долг. Первым драматургом, разработавшим каноны русской классицистической трагедии, был Александр Петрович Сумароков. Он написал девять трагедий. Среди них такие известные, как «Хорев», «Гамлет», «Дмитрий Самозванец». Затем последовали творческие опыты М. Ломоносова, а позже М. Хераскова и Я. Княжнина. На протяжении нескольких десятилетий классическая трагедия занимала ведущее место в репертуаре театров. И только к концу XVIII столетия классицизм уступил место другому направлению – романтизму, а с ним пришли в театр и новые жанры. Театр в Архангельском
В 1810 году директор императорских театров князь Н. Юсупов приобрёл подмосковное имение «Архангельское». У Юсупова была крепостная труппа с великолепными певицами и танцовщицами, такими, как А. Борунова, А. Робутовская, С. Малинкина... Для них князь решил построить театр в новом имении. Для создания проекта театра он пригласил замечательного художника и декоратора, итальянца по происхождению П. Гонзаго. Его имя было широко известно. П. Гонзаго был первым художником, который усилил роль декорации в спектакле. По его убеждению, декорации должны не только оформлять сценическое действие, но и отражать смысл и характер пьесы. Гонзаго был мастером перспективных декораций и умел использовать освещение в театре так, что в сочетании они производили необычайный эффект. Открытие театра в Архангельском состоялось 8 июня 1818 года. В этот день давали «спектакль декораций», то есть демонстрировались разные перемены декораций под музыку. Всего для этого театра П. Гонзаго сделал 12 перемен превосходных декораций и занавес. Четыре перемены декораций и занавес сохранились до наших дней. Романтический балет
Балет был, пожалуй, самым популярным театральным жанром в начале XIX века. Вспомним, как много строк уделил ему А. Пушкин в «Евгении Онегине». Именно балет того времени оставил в истории нашего театра много замечательных имён. Среди них Ш. Дидло. В Россию выдающийся французский балетмейстер и танцовщик приехал в 1801 году по ангажементу директора императорских театров князя Н. Юсупова. Ещё будучи в Париже, Ш. Дидло совместно с Ж. Новером и О. Вестрисом произвели реформу балетного театра. Она касалась не только сцены, но и костюмов танцовщиков. Известно, что в то время танцевали в фижмах, в туфлях с большими пряжками и в париках. Такой костюм, естественно, не способствовал грациозности исполнителя танца. Дидло заказал известному чулочному мастеру Трико цельную одежду телесного цвета, которую потом стали называть по фамилии мастера. Он же ввёл газовую тунику в костюм балерины. И, наконец, Дидло первым ввёл в балет «полёты». Танцы, поставленные балетмейстером, строго гармонировали с характерами героев, их гримом, с оформлением спектакля. Самыми популярными были балеты «Амур и Психея», «Ацис и Галатея», «Зефир и Флора». В постановках Ш. Дидло выступали известные русские актёры А. Истомина, Е. Телешева, Е. Колосова... Лучшей танцовщицей была признана М. Данилова, которую современники называли русской Тальони. Её выступления отличались грациозностью и необыкновенной эмоциональностью. Знаменитой балерине посвящали стихи многие русские поэты. Маскарад
Маскарад как вид развлечения узаконен при Петре I. Тогда это были бурные праздники, которые длились неделями и даже месяцами. Чаще всего такие торжества проходили на улицах и площадях, и участвовало в них всё население города. В конце XVIII века маскарады становятся более интимными. С площади они переходят в дворянские особняки. Начало XIX века – это время балов, светских вечеров, театров, пикников, прогулок и маскарадов. Маска давала возможность участвовать в подобных праздниках всем без исключения. Известно, что инкогнито посещали маскарады члены царской фамилии. На подобных торжествах все обращались к друг другу на «ты», дамы всегда были в масках и в костюмах, они стремились остаться неузнанными и обычно вели с кавалерами любовную интригу. Мужчины же, наоборот, посещали маскарады чаще всего без масок и маскарадных костюмов. Александринский театр
Этот театр известен с 1756 года. Тогда он назывался «Русский для представления трагедий и комедий театр», и играла в нём труппа Ф. Волкова. В 1828-1832 годах знаменитый К. Росси создает большой архитектурный ансамбль у Невского проспекта, и основным его сооружением становится здание нового театра. Торжественное открытие этого храма искусств состоялось 31 августа 1832 года спектаклем «Пожарский, или Освобожденная Москва» по драме Н. Крюковского. Именно с этого дня театр стал называться Александринским, в честь жены императора Николая I Александры Федоровны (название сохранялось до 1920 года). В креслах Александрийского театра сидели А. Пушкин, П. Вяземский, В. Белинский... А на сцене блистали замечательные русские актёры Е. Семенова, Н. Дюр, В. Асенкова, В. Каратыгин... В наши дни Александринский театр носит имя великого русского поэта Александра Сергеевича Пушкина. Мелодрама
В 20-е годы XIX века мелодрама занимала ведущее место в репертуаре театров. Первоначально основной была французская мелодрама, затем всё чаще на театральных афишах появляется немецкая мелодрама, а потом и оригинальные пьесы русских авторов. Мелодрама оказывала огромное эмоциональное воздействие на публику. В пьесах этого жанра злодеи преследовали невинность и чистоту, что вызывало у зрителя сострадание. Простые люди хотели видеть и верили в то, что порок будет наказан, преступники разоблачены, а честность и добродетель победят. Зрители одновременно плакали и ликовали на «Обриевой собаке» А. Аблесимова, «Убийце и сироте» Я. Княжнина и особенно на «Сороке-воровке» А. Герцена. Спектакли такого направления отличались необыкновенной театральностью. Частая смена настроений, переход спокойных сцен в бурные, использование пантомимы, нагнетающая страшные предчувствия музыка – обеспечивали успех мелодрамы у зрителей. Любили этот жанр и актёры, которые благодаря многочисленным театральным эффектам могли проявить себя на сцене. Мелодрама царствовала на сцене более сорока лет и покинула афиши театров во второй половине XIX века. Водевиль
Водевиль – жанр, без которого невозможно представить афиши театров первой половины XIX века. С ним связано творчество таких известных актёров, как В. Асенкова, Н. Дюр, М. Щепкин, А. Мартынов. К этому жанру обращались писатели различных направлений: И. Крылов, А. Шаховской, А. Грибоедов и многие другие. «Все пустились в водевили», – справедливо писал ведущий драматург той эпохи Н. Хмельницкий. Действительно, водевили сочиняли не только профессиональные литераторы, но и чиновники, аристократы, люди, занимавшие высокие государственные посты. Родина водевиля – Франция. Первым человеком, который начал «прививать» этот жанр на русской почве, был драматург, издатель и известный театральный деятель князь А. Шаховской. Его водевиль «Казак-стихотворец», поставленный на русской сцене, пользовался большим успехом. В 20-30-е годы водевиль был изящным по форме, весёлым и забавным спектаклем, с лёгкой интригой и любовным сюжетом. Большое место в нем занимала музыка. В 40-е годы характер водевиля резко меняется. К этому времени был уже написан Н. Гоголем «Ревизор», все чаще и чаще появляются критические статьи В. Белинского о театре. Да и публика в зрительном зале тоже переменилась: основными зрителями становятся «маленькие люди» – чиновники и студенты. Водевиль приобретает более социальный характер, всё чаще обращается к злободневным проблемам. В это время из него практически исчезает куплет, который изначально являлся обязательной составной частью этого жанра. Во второй половине XIX века водевиль сходит со сцены русского театра, уступая место бытовой комедии. Н. В. Гоголь И М. С. Щепкин
Николай Васильевич Гоголь писал в «Петербургских записках» 1836 года: «Из театра мы сделали игрушку вроде тех побрякушек, которыми заманивают детей, позабывши, что это такая кафедра, с которой читается разом целой толпе живой урок, где, при торжественном блеске освещения, при громе музыки, при единодушном смехе показывается знакомый, прячущийся порок и, при тайном голосе всеобщего участия, выставляется знакомое, робко скрывающееся возвышенное чувство». Именно так понимал Гоголь назначение театра, когда создавал «Ревизора», «Женитьбу», «Игроков» и другие драматические произведения. Грустный смех Гоголя слышен был со сцены многих театров, но впервые громко прозвучал он со сцены Малого театра, и в первую очередь потому, что в нем играл Михаил Семенович Щепкин. Выдающийся актёр, первый представитель реалистического направления в исполнительском искусстве, он обладал редким для этой профессии качеством – самокритичностью. Это же было свойственно и Гоголю. Реформатор-актёр и реформатор-драматург – жизнь не могла не свести их вместе. Творческая дружба этих людей после премьеры «Ревизора», в котором Щепкин сыграл роль Городничего, была искренней и неразрывной. Гоголь большинство своих пьес написал для Щепкина, а Щепкин ценил Гоголя выше всех драматургов своего времени. Сила Щепкина-актёра заключалась в том, что он добивался не только внешнего правдоподобия на сцене, но создавал социально-психологические характеры. И кто, как не герои гоголевских произведений, помог ему в этом. Два корифея русского театра XIX века навсегда остались неразрывными в памяти потомков. Большой (Петровский) театр в Москве
В 1776 году театральный предприниматель М. Медокс и московский губернский прокурор князь П. Урусов основали театральную труппу, объединив крепостных актёров с актёрами Московского университета и частной труппой антрепренёра Н. Титова. В труппу вошли известные артисты В. Померанцев, А. Ожогин, Г. Базилевич, позже С. и Е. Сандуновы, Я. Шушерин и другие. По 1780 год спектакли ставились в доме графа Р. Воронцова на улице Знаменке (ул. Фрунзе). Затем было построено специальное театральное здание на углу Петровки, на месте нынешнего Большого театра, и театр стал называться Петровским.
 Репертуар первого в Москве постоянного театра был самым разнообразным, ставились драматические, оперные и балетные спектакли. Здесь обрели свою сценическую жизнь первые русские оперы «Мельник – колдун, обманщик и сват» М. Соколовского и «Несчастье от кареты» В. Пашкевича. Пожар 1805 года оставил от Петровского театра одни руины. Двадцать лет шло строительство нового здания. В 1825 году открытие театра состоялось, и называть его стали Большим. А. Н. Островский и театр
Иван Александрович Гончаров, поздравляя Александра Николаевича Островского с юбилеем драматургической деятельности, писал: «Литературе Вы принесли в дар целую библиотеку художественных произведений, для сцены создали свой особый мир. Вы один достроили здание, в основание которого положили краеугольные камни Фонвизин, Грибоедов, Гоголь. Но только после Вас мы, русские, можем с гордостью сказать: «И у нас есть свой русский, национальный театр. Он по справедливости должен называться: «Театр Островского». В понятие «Театр Островского» входят не только замечательные пьесы русского драматурга, но и формирование Малого театра с его репертуаром, закулисной эстетикой и актёрами. В свою очередь, репертуар и актёры формировали зрителя. Слава пришла к драматургу задолго до появления его пьес на афишах театров. Это было в 1849 году, когда А. Островский вместе с актёром П. Садовским читали первую большую пьесу «Свои люди – сочтемся» вслух по домам. А на сцене его пьесы стали жить с 1853 года после премьеры «Не в свои сани не садись». Островский не ограничивался только деятельностью драматурга, он был организатором «Общества драматических писателей и композиторов», мечтал о создании народного театра, который мог бы посещать простой зритель. В 1886 году, к радости актёров, А. Островский был назначен заведующим художественной частью московских императорских театров и до конца дней своих трудился на благо русского театра. Ф.И. Шаляпин
и частная опера С. И. Мамонтова
Московская частная русская опера была создана в 1885 году на средства мецената С. Мамонтова. Сам организатор этого театра относился к музыкальному спектаклю как к действу, в котором режиссура, декорации и вокальное исполнение взаимосвязаны. В театре Мамонтова надо было быть не только талантливым певцом, но и драматическим актёром. На сцене Частной русской оперы пели Н. Забела-Врубель, П. Оленин, В. Петрова-Званцева... Вокруг этого театра объединялись лучшие композиторы, такие, как Н. Римский-Корсаков и С. Рахманинов. Художественное оформление спектакля решали В. и А. Васнецовы, В. Серов, В. Симов и другие известные художники. В Частной опере Мамонтова начал свою театральную деятельность Федор Иванович Шаляпин. Его классический репертуар формировался в исполнении партий из опер «Иван Сусанин» М. Глинки, «Князь Игорь» А. Бородина, «Русалка» А. Даргомыжского. В этом театре Шаляпин работал над образом Бориса Годунова. Именно деятельность Шаляпина в Частной опере Мамонтова подготовила почву для перехода певца на сцену Большого императорского театра. Театр сада «Эрмитаж»
Во второй половине XIX века в России появляется много частных театров, которым суждено было вести борьбу с монополией государственных театров, что носило, несомненно, прогрессивный характер. Их было три типа: театры-зрелища, театры-дело и театры с серьёзной художественной программой. Первый тип театров представлял М. Лентовский. Актёр, режиссёр, антрепренёр М. Лентовский обладал феноменальной энергией, буйной фантазией и предприимчивостью. Именно он сыграл главную роль в утверждении опереточного театра в России, а также эстрады. 5 мая 1878 года Лентовский открывает свое самое любимое детище – театр сада «Эрмитаж». В нем работали лучшие художники Ф. Шехтель, Н. Чехов, К. Вальц. Последний – мастер театральной машинерии – создавал эффекты фантастические. Недаром в 1886 году М. Лентовский строит в «Эрмитаже» театр, который так и назывался «Фантастический театр „Антей"». Во время представлений публика могла увидеть на сцене огнедышащие вулканы, водопады, сражения целых армий. В некоторых спектаклях участвовало 200-400 статистов. Самыми популярными были спектакли «В лесах Индии, по берегам Ганга, в стране белых слонов» и «Стенли в Африке», где выступали акробаты, дрессировщики, укротители, даже театральная труппа, приехавшая из Америки. Вообще при М. Лентовском сам сад «Эрмитаж» являлся как бы большим театром, в котором все было создано для отдыха публики. Московский Художественный театр
14 октября 1898 года в здании театра сада «Эрмитаж» в Каретном ряду состоялось открытие Московского Художественно-общедоступного театра. Первым спектаклем этого театра была трагедия А. К. Толстого «Царь Фёдор Иоаннович». Как только премьера состоялась, всем стало ясно, что родился новый театр, не похожий ни на какой другой. МХТ возник из слияния Московского общества искусства и литературы, руководимого Константином Сергеевичем Станиславским, и Филармонического общества, где актерское мастерство преподавал Владимир Иванович Немирович-Данченко. Первые актёры нового театра – О. Книппер, И. Москвин, М. Лилина, В. Качалов – открывали публике драматургию А. Чехова и М. Горького, блистали в пьесах Ж. Мольера и инсценировках Ф. Достоевского. С 1902 года МХТ начал давать спектакли в здании в Камергерском переулке (ныне проезд Художественного театра). Основу нового театра К. Станиславский точно определил в книге «Моя жизнь в искусстве»: «Программа начинающего дела была революционна. Мы протестовали и против старой манеры игры, и против театральности, и против ложного пафоса, декламации, и против актерского наигрыша, и против дурных условностей постановки, декораций, и против премьерства, которое портило ансамбль, и против всего строя спектаклей, и против ничтожного репертуара тогдашних театров». Русские сезоны в Париже
Самой яркой страницей отечественного искусства, его настоящим триумфом можно назвать Русские сезоны в Париже. Идея создания их целиком принадлежала «Миру искусства», творческому содружеству замечательных художников. Организатором был С. Дягилев, который участвовал в Русских сезонах со своей балетной труппой. В пяти музыкально-исторических концертах, носивших обзорный характер, проявилась основная художественная концепция гастрольного ансамбля – зрелищность, синтез музыки, оформления и действа, независимо, балет это или опера. Русские сезоны начались с появления в 1909 году во французской столице оранжевых афиш и синего плаката В. Серова с портретом Анны Павловой – Сильфиды. Именно тогда балет принес славу русскому искусству. Парижане очарованы были танцевальным дуэтом А. Павлова – В. Нежинский в балете «Шопениана», выступлением Т. Карсавиной в «Трагедии Саломеи» Ф. Шмитта. Их потрясли «половецкие пляски» в постановке М. Фокина в опере А. Бородина «Князь Игорь»... В оформлении спектаклей участвовали талантливые художники Л. Бакст, А. Бенуа, И. Билибин, А. Головин, М. Добужинский, М. Ларионов, Н. Рерих и другие. С 1909 по 1914 год парижане познакомились с музыкой многих русских композиторов – А. Глазунова, А. Лядова, А. Аренского, А. Скрябина, С. Рахманинова... Без Русских сезонов в Париже невозможно представить историю русского музыкального театра. Камерный театр А. Я. Таирова
Творческий путь Александра Яковлевича Таирова оказался нелёгким. Режиссёр был новатором, а это не так-то просто. И все-таки в 1914 году он создал свой театр. Театр эмоционально насыщенных форм, который ставил извечные вопросы: что такое жизнь и смерть, трагическое и комическое, красота природы и гармония в художественном творчестве. Недаром вокруг этого театра, его основателя и замечательной актрисы, соратницы режиссера Алисы Коонен всегда объединялись новаторы других жанров – поэты, художники, композиторы. Камерный театр был театром синтетическим. А. Таиров создал свою школу актёрского мастерства, добивался от актёра свободы, красоты и виртуозности на сцене. Какие только жанры не были в репертуаре театра! И монументальная «Федра» Ж. Расина, и героико-романтическая «Оптимистическая трагедия» Вс. Вишневского, и классические пьесы А. Островского. Именно А. Таиров впервые в истории советского театра поставил цикл пьес американского драматурга О`Нила. А какой фурор, накал страстей, какую борьбу в критике вызвала «Опера нищих» Б. Брехта, также впервые появившаяся в нашей стране именно в Камерном театре! С большим успехом театр гастролировал в Германии, Франции, Австрии, Америке, Италии и, несомненно, повлиял на зарубежный театр.
В. Э. Мейерхольд и спектакль «Маскарад»
Без имени Всеволода Эмильевича Мейерхольда невозможно представить передовую режиссуру XX века. Этому режиссёру были свойственны неожиданные переходы от одних художественных решений к другим. Он был первым режиссёром, который после 1917 года самым активным образом включился в строительство нового театра, для широких масс, отражающего злободневные проблемы своего времени. Это был театр политически активный, агитационный. В. Мейерхольд начал творческий путь артистом Московского Художественного театра. Однако увлечение режиссурой вскоре взяло верх. В 1908 году он поступает работать режиссёром Александрийского театра, где происходит его встреча с художником А. Головиным. Над «Маскарадом» В. Мейерхольд и А. Головин работали много лет. Премьера состоялась 25 февраля 1917 года и произвела ошеломляющее впечатление на публику. Зритель чувствовал приближение революции, а на сцене происходили трагические события. Спектакль пронизывала тема рока и тема необыкновенной красоты, которая стремительно приближалась к своей гибели, и остановить эту гибель, казалось, уже никто и ничто не может. Обречённость героев драмы М. Лермонтова перекликалась с мыслями аристократической публики, сидящей в партере и ложах Александрийского театра. Она понимала, что это – последний спектакль уходящей эпохи. А. Головин сделал к спектаклю четыре тысячи эскизов. Пять занавесов вели во время представления свою игру, являясь как бы действующими лицами спектакля. «Маскарад» был одним из самых гармоничных творений В. Мейерхольда, А. Головина и композитора А. Глазунова. О. Туркестанова
Художник Владимир Семёнов Источник: «История русского театра». Набор открыток. «Изобразительное искусство. Москва. 1989.
|
Рецептов 49 
Статей 985 
